Le stage
L’ACTEUR : Notre point de départ sera le corps de l’acteur. Être conscient que le corps communique et transmet des informations est essentiel pour travailler son imaginaire et les états  émotionnels avec précision et clarté, conviction et sincérité. L’analyse du mouvement et la préparation physique révèlent la présence de l’acteur et sa relation à l’espace, aux objets et au groupe. À travers les différentes dynamiques corporelles – tensions, élans, rythmes et dimensions- nous développerons le potentiel d’expressivité et de réceptivité de l’acteur.

L’ENSEMBLE : Un travail sur la complicité du groupe à travers des jeux, des exercices physiques et vocaux. Approche des étapes de l’improvisation par le biais de la musique, des images et du texte pour appréhender les principes de la création collective.

LE CHOEUR TRAGIQUE : Un des objectifs essentiels de ce travail est la prise de conscience de la nécessité de l’interaction entre les acteurs. Mise en évidence du rôle de chaque personnage au sein du choeur  et de l’acteur au sein du groupe. En prenant appui sur le corps, l’imagination et l’espace, nous donnerons naissance à un corps collectif qui respire et bouge tout en respectant la chorégraphie préétablie ou géométriquement ordonnée.  

La finalité de ce travail, basé sur les principes d’Ariane Mnouchkine, Philippe Gaulier et Monica Pagneux  est de gagner « une économie de mouvements  » de façon à ce que chaque geste, attitude et respiration trouve une justification. L’acteur acquiert un éventail d’outils qui l’aident à développer son travail individuel et son travail au sein d’un groupe théâtral.

Horaires : Du Lundi au Vendredi de 13H300 à 18H
(45 heures de formation).

Le stage
Le Mélodrame est repris à l’école internationale Jacques Lecoq en 1974 comme outil pédagogique pour apprendre au comédien à donner du poids à son jeu.  Dans le mélodrame tous les grands sentiments sont en jeu : le bien et le mal, la morale avec l’innocence, le sacrifice, la trahison. Pour le personnage il s’agit alors d’y croire avec force et pour le comédien aussi, croire fortement à ce qu’il joue pour que le public accepte d’y croire également.

Jacques Lecoq disait que « l’une des principales difficultés qui guette l’élève, c’est la peur d’assumer véritablement les grands sentiments devant un public qui parfois, peut en rire. Le travail du mélodrame oblige le comédien à imposer ses convictions au public. Il ne peut pas douter de ce qu’il va dire. Il est très important que les élèves soient entraînés à assumer cette dimension. »

Le mélodrame permet enfin au comédien de travailler la construction, l’écriture et les tactiques pour renforcer l’émotion … à quel moment tel silence ? Ce regard avant ou après ? Quel point fixe ? Au cours de ce travail, après avoir identifié ce qui a fait pleurer autrefois nous nous demanderons ce qui fait encore pleurer aujourd’hui et quels sont les nouveaux thèmes apparus : quelles histoires, quelles formes, quels styles de jeu et quelles écritures ?

L’acteur oublie parfois d’utiliser l’un des outils les plus prégnants pour faire passer ses émotions : la voix. La voix, bien utilisée par le comédien, donne un poids extraordinaire à son jeu. C’est pour travailler cette dimension que Haim Isaacs interviendra deux jours pour offrir au comédien des outils qui lui permettent de mieux travailler et de mieux se servir de sa voix pour donner résonnance  à ses émotions et aux grands sentiments qu’il joue avec le mélodrame.

Horaires : Du mardi 3 février au jeudi 12 février
de 9H30 à 15H30
(44 heures de formation)

Le stage
L’objectif de cet atelier est de proposer l’objet comme élément premier et en amont d’une situation théâtrale et dramatique. La découverte des principes de manipulation et la sensibilisation aux objets seront orientées vers le développement d'un imaginaire personnel et l'invention de stratégies propres à chaque participant. Il s'agit de valoriser et de prendre conscience de la présence du comédien/manipulateur, de se mettre à la disposition des objets et d’apprendre à disparaître derrière eux, à faire des objets de véritables "partenaires" de jeu jusqu’à révéler leurs caractères uniques et irremplaçables grâce à un langage et un discours propres.  Il s’agit aussi de les sortir de leurs fonctions courantes pour leur donner un nouveau sens et qu'ils deviennent porteurs d'un univers poétique.

Nous travaillerons sur les rapports entre le texte, l'espace, les actions du manipulateur, l’interaction, l'autonomie des objets, l'illusion de vie et la dissociation.  Enfin, nous chercherons à comprendre comment se divise et se réparti l’énergie entre les actions propres à l’individu et celles qui relèvent de l’objet manipulé pour que les actions produites puissent naître d’un émetteur autre que le comédien.

Horaires : Du Lundi au Vendred i de 9H30 à 15H30
(55 heures de formation)

Le stage
Tapa Sudana et Mas Soegeng , compagnons de théâtre en Indonésie dans les années 70  entreprennent de s’installer en France aux alentours de 1975 pour poursuivre leur carrière théâtrale avec entre autres Peter Brook et le Théâtre du Footsbarn. Réunis pour ce stage ils proposent ensembles de faire découvrir l’art du Théâtre Balinais, du Topeng en particulier et les liens qu’ils ont fait avec le théâtre occidental et le métissage théâtral qui découle de leurs expériences partagées au sein du Théâtre du Footsbarn, Théâtre du Soleil et pour Tapa Sudana au cours des différentes créations qu’il a partagé avec Peter Brook et Yoshi Oida.

Programme :

1) Découverte des masques balinais :

• Etude des éléments essentiels : démarches, attitudes, caractéristiques de chaque masque.
• Préparation physique : travail des énergies, apprentissage des mouvements de base.
• Respiration : élément vital pour la concentration qui amène à l’union profonde avec le masque.
• Improvisations : Présenter  des personnages liés par une histoire permettant d’analyser le fonctionnement du masque.

2) Découverte de l’expression des trois mondes : « pensée, émotion, corps » pour un  entraînement permanent de l’acteur dans sa relation à lui même, aux autres et au monde :

A Bali, l'acteur est d'abord un serviteur, celui de l'histoire  qu'il est chargé de raconter, car le récit  est  plus  grand,  plus riche  et  plus important que lui. Cette  approche  est également un travail  de groupe sur le groupe,  tout le monde  est  concerné  par l'histoire à raconter et  doit  s'effacer  devant  elle.  Mais  pour  lui  donner  éclat, chacun doit chercher à  être éveillé, ouvert,  présent, essentiel, et simple. L’acteur devient ainsi capable de percevoir ce que réclame de lui le lieu, le temps et la situation dans lesquels  il s’est engagé, un être sensible à l’histoire qu’attendent de lui les spectateurs… être vrai. Pour appréhender ces différents aspects nous utiliserons un éventail d’outils : Le travail du bâton (Tongkat) et Silat: inspiré par l’art martial dans un but d’échauffement pour éveiller la sensation d’être « prêt à suivre ». Le Pranayama, exercices de respiration ; inspiration et expiration de l’énergie ; Quelques exercices de santé taoïstes qui engagent l’image, le mouvement, le son et les activités mentales en lien avec les émotions, les organes de la digestion, les 5 éléments, les couleurs, etc.) ; Un travail sur le groupe : en se tournant vers le centre, l’essence de l’intérêt commun du groupe. Le " récit de l’histoire " concerne chacun.

Horaires : Du Lundi au Vendredi de 9H00 à 16H00
(54 heures de formation)